Tobias Rehberger #Rockbund Art Museum @NOWNESS

通往真相的纯真之眼往往最会欺骗,就像 Tobias Rehberger 那来自中土世界的魔戒面孔与身形,在垮裤与荧光夹克的衬托下,让人抓不住真相。他创作的外滩空间视效强烈且设计感十足,令其金狮奖获得者的头衔显得矛盾又再恰当不过。

尿屋欢迎您  | Welcome to the Pee(tea)house

外滩美术馆的传统建筑构造让每个进行委任创作的艺术家都颇费心思,与空旷的白立方展示空间不同,它能提供适合造梦的层级结构、升降的身体感知,以及互通各个梦境的过渡式阶梯。这令人想起 Tobias 曾于2016年在瑞士与德国边界创作过的公共项目——“24 Stops”。项目由两国之间相隔仅3.5公里的艺术机构 Fondation Beyeler Vitra Campus 发起。在这一段具有政治意味的连接场域,Tobias 将色彩明亮、具有亲和度与卡通质感的24个雕塑作为沿途的路标。边境线转而成为当地居民日常郊游与踏青的共享空间。

而在这个展览里,Tobias 如同将 “24 Stops”的空间逻辑折叠进了美术馆,并试图将彼此打造的全然不同。喧闹的肉铺、陈列着花瓶的暗房、必须先脱裤子才能体验的茶室、赛博式的声控装置空间和最后让人头晕目眩的咖啡馆。而咖啡馆与肉铺对应的太阳雕塑,将地球另一端 El Redomon(阿根廷)的时空也抛掷在这一切的蒙太奇中。用 Tobias 的话说用大脑边缘(periphery of your brain思考,意味着艺术家将自己的主观意识降低,模糊自己的态度与声明,让作品向观众敞开,并使意义让位给偶发的可能性与共享的乐趣。 每一层的作品都关乎于这样的交互,肉铺与咖啡馆邀请人们消费购买;茶室需要你先上个厕所,从后面开始;声控霓虹灯的闪烁取决于来者播放的音乐;即使在看似静态的肖像花瓶馆中,人与人之间流动的美学趣味也在进行着一种转换与交往。体验式消费成了关系美学中强调的人类交往

 

 

2009年,第53届威尼斯双年展因为一个让人晕眩的咖啡馆将金狮奖颁给了 Tobias Rehberger。这一年双年展的名字为《制造多重世界》 (Making Worlds)John Baldessari 用两个棕榈树墙绘营造他的海天一色,Tobias 则是将一战时期乍眼的军事迷彩运用进咖啡馆的公共空间。这个迷彩图案实际上出自英国画家诺尔曼·威尔金森之手,它显眼、浓重且极富美学意味,却是为了使人产生视错觉,使地方无法定位对象。迷彩的凸显属性与其模糊视知觉的意图显得自我矛盾,这令 Tobias 觉得有趣。而如同双年展题名所意愿的,他将历史战争的象征物隐入日常休闲的空间,制造了一个重解历史的可能。六年后,同样的迷彩被运用在真实的一战时期船舰 HMS President (1918) 上,Tobias 让其航行在伦敦的泰晤士河,使这个图像重新链接它的历史坐标与象征。波普(Pop)对他而言,是一种能够迂回处理严肃对象或是历史问题的方法,如同他借“24 stops”处理边境线一样。

双子座的双重投射 | Double projection of Gemini

许多时候我们因为误解与表达的失语而感到沮丧,在合作中,这烂俗的表现为甲乙双方的矛盾;在情感上,这意味着无法互相体认的切身之感;而在艺术作品的实现过程中,这造成了各个参与者的臆测、误读与想象——方案在艺术家脑袋中成形的样子、将这些样子转换成图像、向制作者表述方案,在处理实体物料时近乎崩溃的频繁调整、沟通、返工与确认。Tobias 把这些误读叫做投射projection),而他似乎乐在其中。

 

《免费咖啡免费泊车自由(随插即玩版本)》,2019
 

事实上,他的大多作品建立在误解之上,三楼的茶馆便是如此。Tobias 坦言他曾去过日本的正宗茶室,但发现他之前基于此的所有想象都是错的,他意识到西方人对于日本茶道的误解,而这样的误解被其定性为生产性误解并挪用进外滩美术馆现场。新设计的空间结构与使用顺序和传统茶道仪式看起来大相径庭,Tobias 以戏谑的方式将之起名为《最终,你可以从后面开始》(In the end, you can start from behind, 2019)。比起这个让人浮想联翩的装置作品,他在纽约曼哈顿公园中放置的人工日式园景 Tsutsumu N.Y. 2001)则显得稚趣十足。而当你在炎热夏天看到这日式园艺不合时宜的雪景时,或许更能体会他所说的错误想象,Tobias 的茶馆与园景如同我们惯有的文化偏见,重新投射回日常。

 

《最终,你可以从后面开始》,2019
 

肖像画瓶系列则比之更显浪漫。通过想像朋友的样子、他们在审美方面的趣味,Tobias 设计了这些肖像花瓶,并邀请朋友们带来他们最喜欢的花。花的种类、颜色、数量出自无意识对美的选择,它们某种程度上成为花束主人的自画像。Tobias 像古典希腊胸像一样陈列着这些肖像花瓶,那乌黑的空间将花束与瓶子衬的发亮,高低错落与聚焦的灯光都使它们显得更为人性。

 

 

如同题目所言,这一切与观看有关,意识的真相通过眼睛照亮彼处,即使它出于错误的投射、或经过像素化处理、抑或是被迷彩折腾的晕头转向,但它们都为世界创造了艺术的幻象,也让不那么轻松的世界多了一点乐趣。如同万花筒般折射、重组,再将世界晕染,Tobias 在这一切的过程中,只是承担了三棱镜的角色。

 

Nested – Su mei Tse @Artforum

有幸在一个几乎冷清的下午去到谢素梅个展安棲的展厅艺术家对自然物的沉思与呈现对物质肌理的强调与归返正好需要一个空荡的氛围来衬托面对其作品所营造的冥想空间最后竟让人生出某种感慨——礼失求诸野换言之丢失的东西可以到别处去寻回在采访中谢素梅认为自己之于中国不如说仍是异国人但通过这个展览我作为一个在地的中国人却获得了一些曾经缺乏的体验。“安棲在余德耀美术馆将持续展出到324

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With the title Stone Collection, I like to refer to a very simple gesture, a natural reflex that we had in childhood and even later to collect found stones while longing a path. The quality of choosing is very personal, intuitive. Here the idea is the same, just with a different scale and presenting a found object in the idea of an objet trouvé. As in previous works, I’m not interested in inventing something new but rather pointing on the existing, bring it to the foreground and create a visual composition.

For me the presence of a scholar rock, as it traditionally did in a scholar’s room referring to nature and inspiring the creation, also confronts us (physically) to the question of scale. Scale not only in terms of dimension and weight but also in terms of time. These stones which have been washed and shaped (often by the stream of a river) during hundreds, thousands of years relativize our existence and brings a new perspective to the lapse of time that we have. In another work Red Ladder (The Scale) I present the same concern but with a certain smile. This laboriously forged object (sculpture) is less important for its material existence, but rather a (jokingly) link to its title and theme about scale. A kind of French word play: c’est une question d’échelle, it’s a question of scale (échelle means ladder but also scale). A reflexion I developed in different ways these last years.

The way to present these stones (and my work in general) is important for me. Here trying to create a meditative composition, a space for quiet contemplation and at the same time adding a “painterly” quality, renouncing any ornamentation but create a minimal background for each stone. The choice of color is carefully selected to vanish the obsolete, the “dust” and give a personal and playful note to this tradition that I appropriate into my work. I want to evoke the meditative moments through these works. My cultural background has to do with that interest and affinity in silence, but it is also a personal need. Already in 2003, I worked with our condition to be exposed to noise, speed, and stress. Being overwhelmed by information and impressions, the noise from outside but also noise inside us, provoked by our thoughts, restlessness, and agitation seriously affecting our life. That was also the reason I decided to create the “radical silence” for my solo exhibition “Air Conditioned” in the Luxembourg Pavilion at the 50th Venice Biennale.

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Natural materials are also important in my creations. At the one hand, I like to work with natural elements for their visual and haptic quality. For example, in the series of “Moons”, I used marble as paint attracted by its deep and precious texture. At the same time, the use of marble has to do with my time in Rome, its unconscious influence on me but also its historical reference in Roman art. Then there is this red resin, in opposition to create a tension between marble and the strong red color treated in relation to the Japanese tradition of lacquer ware. So in a second reading, there’s a tension underneath the work between two countries and two cultures. This kind of tension relating to nature also embedded in the work Trees and Roots. I started it with a series of photographs of “everyday” moments of these trees with their wrapped roots waiting to be planted before adopting their new environment, the ground, being “rooted” again. I was touched by the fragility (and force) of this “exposed” situation, the beauty of the wrapped roots and the idea (and image) of the growing roots, “taking” the ground and gradually anchor themselves. Later I developed that image into bronze sculptures, working with the scale and space. Beside being inspired by nature and natural elements, I’m interested in the nature of the human being, the physical body and, especially, his spiritual soul. Through my work, I try to get closer to our intuition, to the essence of humankind and reflect to our existence in time and on earth.

My works often refer to words, language, literature, and books. So that people can see the paragraphs on the wall for corresponding works presented in Yuz Museum. During the preparations of the exhibition (the first venue of the touring show was in Luxembourg at the Mudam) I exchanged a lot with Christophe Gallois, the curator who has not only a sensitive reading and understanding of my work but also a deep and rich body of references. This vivid exchange has led to these “notes”, giving like a second layer of meaning. Besides of this, music also plays equivalent role in my creation. I think the most important for an artist is to use a personal language, to express ideas in the most honest way. As I grew up in a musical family, for me, music and sound are the “tools” to use to create images or to get inspiration from and express myself with that language I feel familiar with.

“Nested” is my first solo show in China, which composes interesting dynamics beneath the exhibition. The influence of oriental culture keeps floating in my works for last years. When I visited China (my family is in Hong Kong, to be precise) as a small child, I was fascinated by the landscape and the contrasts between the modern (contemporary) architecture and the tropical natural environment. The loud, busy and “wild” crowds, the smells on the markets and the excitement in the Cantonese language. When I visit China now, I can not speak of a “real” China still being a foreigner feeling that “wildness” in a way, but at the same time feeling very familiar, close the way of feeling, eating and perceiving. Maybe it remains in my works in some way.

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我想用藏石系列指涉一个十分简单的动作,一种我们在童年就有,甚至延续到成年的条件反射在路上散步时收集发现石头选择是一个非常个人化与直觉性的过程。“藏石系列的理念也是如此只不过尺度不同而且是在拾得艺术”(objet trouvé)的概念下呈现这些现成物我一直对发明新的东西不感兴趣我更关注指认现有的事物将它们带入前景并创造出一个视觉上的构图

在我看来供石不仅如它在文人书房中的传统功用那样隐喻自然并激发创作灵感同时还使我们在身体上直面尺度的问题尺度不仅指尺寸和重量也包括时间这些经过河流千百年洗炼的石头使我们的存在相对化并为我们所经历的时间流逝带来新的视角在另一件作品红色梯子比例尺)》我表达了同样的关注但多了一些幽默感这件费心锻造的物品雕塑最关键之处可能并不在于其物质存在而是它的标题和与尺度概念之间玩笑式的联系它是一个法语的文字游戏:c’est une question d’échelle(这是一个尺度的问题)。échelle既指梯子也有尺度的意思

此次展览我尝试创造一个冥想的结构一个安静沉思的空间同时在其中加入一种绘画放弃任何装饰给每块石头创造一个最极简的背景颜色都经过精心挑选以消除过时与尘土的感觉为这一被我挪用进自己作品的传统增添一种个人化和俏皮的意味我对寂静的兴趣和亲近很大程度上与我的文化背景有关但它也是我的个人需求早在2003我就开始在作品中处理我们日常面对的噪音速度和压力问题我们无时无刻不被各种信息和观感淹没噪音不仅来自外部更来自于内心它严重影响着我们的生活这也是我选择在第50届威尼斯双年展卢森堡馆的个展空气调节”(Air Conditioned)中制造极端寂静的原因

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天然材料在我的创作中非常重要一方面我喜欢自然元素在视觉和触觉上的质感例如月亮系列中我被大理石深沉且珍贵的肌理吸引于是将其当作颜料使用与此同时使用大理石与我在罗马驻留的经历有关不仅反映了那段时间在潜意识里对我的影响也在历史层面上指涉了罗马艺术而使用红色树脂则是为了让大理石与常见于日本传统漆器的那种大红色之间形成对照因此对这件作品的另一种解读也可以指向其背后两个国家和两种文化之间的张力这种与自然相关的张力同样深嵌于作品树和根该作品源于我的一系列日常摄影最开始我拍了很多等待被移植到新环境的树及其被包裹起来的树根我被这种暴露状态下的脆弱与力量所触动被包裹着的树根的美以及树根不断生长慢慢占领一方土地并在那里扎根的景象后来我将这个想象中的图像发展成青铜雕塑让它们与空间尺度相互作用

我的作品经常涉及文字语言文学和书籍在余德耀美术馆的这次展览中观众可以看到墙上的段落与展出作品相互对应在准备展览期间巡展第一站是卢森堡的MUDAM美术馆),我和策展人Christophe Gallois交流很多他不仅对我的作品有敏感的解读还给出了深刻而丰富的参考文本我们之间的交流生成了这些笔记”,为作品编织了第二层意义当然音乐在我的创作中也很重要我认为艺术家最重要就是使用个人语言以最诚实的方式表达想法我出生于一个音乐世家对我而言音乐和声音就像工具”,我借由它们制作图像获取灵感用最熟悉的语言述说自身

安棲是我在中国的首次个展过去的几年里东方文化的影响在我的作品中不断浮现小时候来中国确切地说我的家人在香港),那种现当代建筑与热带自然环境之间的对比令我着迷——喧闹忙碌甚至疯狂的人群市场的气味与粤语对话间的兴奋情绪如今再来中国我感觉自己还无法谈论一个真实的中国因为之前那种疯狂感还在但同时又让我觉得非常熟悉和相近或许这些都以某种方式保留在了我的作品里

I am that I am 弗朗西斯·埃利斯“消耗” @NOWNESS

Vimeo: https://vimeo.com/314448047

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试用弗朗西斯·埃利斯偏爱的方式,漫步在上海街头,局促的脚步、过剩的产品、一次性用品堆积的垃圾、路边被店家拴着脖子的狗,膨胀的物价与购买欲、“work hard, play harder” 般自我安慰……一切焦虑、仓皇弥漫在令人喉咙发痒的空气中,潜入身体内部。这是展览“消耗”(La Depense)被安置的城市,消费/耗费在乐观与悲丧的情绪之间牵扯着大众,或许你会在外滩美术馆那净白的殿堂中走进埃利斯的绘画,通过素描悉数与体会女孩盘发的动作。这位本可以在速写簿上留下宏伟建筑蓝图的艺术家,选择将时间耗费在平淡无常的生活细节之上。

建筑,恰恰是一桩要消耗大量人力物力的事业,在现代社会,它很大程度上显现了不动产的贪婪与雄心。所谓众人拾柴火焰高,建筑就是靠着这样的信心,成就着人类的建造神话。而事情总有它的另外一面,当地震来临或是海啸席卷城市,即使没有亲身经历,也难保不会在电视上看到,众志成城是如何显得渺小,坚实的信心可以被瞬间击垮成瓦砾。埃利斯在他的27岁遭遇了这个局面——墨西哥的震后灾景;很难说这不是让他放弃建筑转向艺术的其中一个原因。这个过程花了他将近十年的时间,而这十年,不仅仅成为他职业生涯的转向,同样也预示了他生命的转向。将长达9余小时的行为剪成9分54秒的影像,并起名为《实践的悖论1(有时行动只能引向虚无》;将十年时间里追逐龙卷风的经历浓缩成39分钟的录像作品;将4年绘制的820篇的手稿集合成为16秒视频——这些转向渗透在他作品的每一个孔隙——对于生产意义的质疑,对于有与无的判定,对于微小与宏大的踟蹰。

埃利斯的很多作品都基于行走、旅行或是漫步,像是《偷自行车的人》中在城市游走的安东。行走对于外界的干预而言,其效用是微乎其微的,存在与否似乎都无甚差别;如同在路上留下一条不具名的线、往身体的一边铲倒沙子、或是等着冰块融化。埃利斯将自身的劳作用这种细微、隐没的方式积攒在作品之中,像一位践行信念移山的愚公,在日常生活中创造他的寓言。1997年,他第一次来到上海,正是因为类似的作品缘由——《环行》(Loop),规避了在蒂华纳竞争激烈的美墨边界:利用他在圣地亚哥举办展览的费用,乘飞机从蒂华纳飞往墨西哥城、巴拿马城、圣地亚哥、奥克兰、悉尼、新加坡、曼谷、仰光、香港、上海、首尔、安克雷奇、温哥华、洛杉矶、最后南到圣地亚哥;通过这种方式从外部绕行美墨边境。这当然是他对边界进行的身体力行的思考,与此同时,也是一种对于“逾越”的另类说明。从墨西哥的一侧非法穿越美墨边境的围栏与绕行都能到达另一侧(美国),二者的差距不仅在于时间与体力的耗费,也在于身份和个人权力的悬殊。11年后的今天,这样的悬殊在美墨边境面临移民潮时再次被铺展在世界眼前:北上的难民拖家带口地朝着美国前进,口中喊着:“我们可以。”可以怎样呢?在他们心里,他们意图穿越的是贫穷与温饱、暴力与安全之间的边界。而埃利斯则借《环行》表露出心中叹息,将墨西哥作为第二故乡的他,也只能以第三者的身份对这象征性的边界添加注脚。边境总是相对而言的,如同生产性也是相对而言的一样。

这种相对性也发生在他追逐龙卷风的时刻,2000年开始的“龙卷风”项目或许是他时隔14年之后,对自然力量的重新审视。龙卷风不再是绝对摧毁性的象征,而成为一种可以捕捉的、令人“上瘾”的体验。项目的起因缘于2000年墨西哥经历的一场重大政治变革,那场变革原本意味着开放与民主,结果却被证明是一场闹剧,什么都没有发生。不仅如此,在那之后,墨西哥陷入贩毒与腐败的暴力漩涡。龙卷风对埃利斯而言,成为了这个创伤时期的隐喻。直接体验这场风暴不仅意味着你要花长久的精力去计算这个庞大之物的降临,也要求你在终于面对它时能够不被那未明的力量与恐惧威吓停止,暴力留下的阵痛仅仅发生在进入与离开的时刻。而风暴的中心或者说是内核,却是一种令人窒息的安静。埃利斯像着魔一样重复体验着这样的过程,他把这比作冲浪。这更多的是一个等待的过程,在兴奋与恐惧的共同情绪中等待着遭遇,正如他所说,在生活的许多时刻也的确如此,阵痛过后也许什么也没有发生,而事件的风眼——如果你有机会进入那样的冥想时刻——或许你也能感受到那被沙石包裹的虚空中心。

关于龙卷风的研究,对纽结的风暴进行刻画生出了《出埃及记》近千幅相关素描手稿,女子重复着盘发并解开盘发的动作,以图像的方式与龙卷风关联在了一起。你尽可以打趣说,就像老天爷生气了会打雷,龙卷风或许就是“老天爷”在盘发。这听起来像个笑话,却被埃利斯认真对待了。至少在工作量上,他对龙卷风与盘发的诠释都付出了应有的敬意。基于圣经第三章第14节,摩西问神:如果以色列人问起你的名字要如何回答,神回答说:“我是我所是的。(I am that I am)”这句重复句式是盘发动作同义反复的隐喻,也事实上成为埃利斯创作的哲性注脚。另一方面,它为展览提出的“非生产性消耗”与“生产性消费”关系问题作出了回应。事物因其所是的,而成为其所是。这是埃利斯理解与肯定世界的方式,他用这种方式,逃逸现代社会追究效益、可测性、理性等等的价值体系。女子盘发,或许正是因为这没有任何意义,才值得他花将近四年的时间去描画。

这种肯定价值的自有性,最终也会在他人生的定锚之处闪烁着意义。在采访最后,我问埃利斯如果不做艺术会做什么?这或许是个傻问题,却得到了一个真诚的答复。他说到恰好是前一天,他的朋友们在饭桌上提起这样的话题,她说:我们之间都有着相同的热情,又恰好把它们都倾注在了艺术上。而事实上,我们最终是可以把热情放到其他的东西上,成为木匠、律师或是医生。生活最终让埃利斯成为了一名艺术家,而在他看来,他很可能成为别的什么样的人。生活是其所是的样子,若不然,他或许也可以成为一位好父亲。

 

徐震®:异形 | XU ZHEN®: ALIEN @Shanghart Gallery

艺术就是异形。——徐震®

香格纳上海将于5月荣幸推出徐震®展览“异形”。展览将展出徐震®针对香格纳空间制作的大型装置,与最新创作的绘画和雕塑作品。“异形”延续了徐震®在后全球化生态下对文明的改造、迭代与进化命题的兴趣,如同异形所建构出的一种来自未知且令人惊悚的印象一样,展览也将通过艺术激起人们对未来与原始性的想象。

品牌创始人徐震自1998年开始创作以来,已经历了20年的艺术生涯。从早期表现个体私密与情感,到直面社会现实,发展至近期对人类现实的立异与创造,他的艺术策略虽然几经转变,却始终朝着文化的能动性扩张。徐震®所触及的,是关于艺术在面对时代之变时,如何创造可能性并提供新经验的问题。全球化的三个面向“贸易—资本”、“冲突—战争”与“进化—变异”在近年的创作中开始明晰,而三者的交织也逐渐形化为作品中的极端异化和超级变体。对徐震®而言,“异形”既是现实世界的表征,同时也是一部未来共同体的寓言。

此次展览将真实反映徐震®的精神内核,这表现为其处理文化对象及其语境的方式,以及其借此触发与呈现的新的组合和方案。作为这个时代最具代表性的艺术品牌,徐震®的背后运转着一个独一无二的没顶公司,在2008年的经济危机之后创建,没顶公司正象征着这样的可能性,将时代状况内化为创作的命题,并通过公司式的加速创作以应对全球化症候。

本次展出的两件作品《异形1》和《异形2》可追溯至2013年开始推出的“永生”系列,该系列将东西方经典文明中的形象以一种既冲突又融合的方式碰撞在一起。东西方永恒与精神性的美学象征,在对接的过程中造就了殖民历史、国际格局与全球化未来的丰富隐喻。《异形2》的形象分别来源于希腊神话中的“雌雄同体”神与汉代女佣,二者呈现了如同“永生–涅槃佛”一样巧妙的并置。而《异形1》则将文化的解码与组合推向极致,通过对对象进行简单的颜色处理,“异形”与其裹挟着的令人恐惧的力量被激发出来。徐震®借此为观众营造了一个精神性互动装置,通过诱导观众进入一个敏感的历史时刻,意识形态符号带给人的巨大压迫感,将促使个体面临一个需要表态与选择的境地。展览的另一单元由绘画组成,其中绘画性作为装置的元素被徐震®调用。开始于2017年的“进化”系列将距今近两千年的敦煌壁画与非洲面具共同绘制于油画布上,远古时代的文明与现代社会所保有的原始性交错并呈现出超越时间桎梏的美学面貌。“运气”系列与“进化”系列发展于同一时期,徐震®将新石器时代传承至今的礼器进行再造,而最终形成的画面则为徐震®的产品开辟了抽象表现的路径。

正如“文明迭代”所宣称的,徐震®的艺术以一种重复反馈的过程一步步逼近自身所需的目标。公司式的生产最终引发现实的漏洞——从逻辑与语词中抽身而出的不可知性,在展览中将呈现为蕴藏着丰富可能性的“异形”。
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“Art is alien.” (XU ZHEN®)

ShanghART Gallery is pleased to present XU ZHEN®’s solo exhibition: “Alien” in May 2018. This exhibition will present the large-scale installations XU ZHEN® made especially for the ShanghART Gallery space, along with his recent paintings and sculptures. This exhibition extends XU ZHEN®’s persistent interest in subjects such as transforming, iterating and evolving the civilisation within the context of post-globalisation. As “Alien” is constructing an impression of the thrilling and the unknown, this exhibition will inspire the viewers’ imagination about future and primitivity.

As the founder of XU ZHEN®, Xu Zhen has made a career in art for twenty years since 1998. Initially expressing the intimacy and emotion of individuals, then shifting to social issues, Xu Zhen is recently focusing on the difference and creativity among human beings. While his artistic strategies have undergone several changes, it is always moving towards the dynamics of culture. XU ZHEN®’s art has reached issues such as how art deals with the passage of time, and how to create new possibilities while discovering new experience. The three main themes in globalisation, “trade and capital”, “conflict and war”, “evolution and variation” are gradually becoming sharp focused in Xu Zhen’s works. Accordingly, the collision among three topics results in the figures of “extreme alienation” and “super variant” in his works. For Xu Zhen, “Alien” is not only a representation of the real world, but also an allegory of the future community.

This exhibition will truly reflect the core of Xu Zhen’s art through exhibiting how he deals with cultural subjects and their contexts, as well as the new associations and plans he came up with under these circumstances. As the most representative art brand of the period, XU ZHEN® is running the one and only MadeIn Company. Established after the economic crisis in 2008, MadeIn Company is representing a kind of possibility by internalising current circumstances into ideas, and speeding up the art making process in the form of a company, in response to the “symptom of globalisaiton”.

The two pieces of sculptures, Alien 1 and Alien 2, can be traced back to the “Eternity” series of 2013, which combines classical figures of Eastern and Western cultures in a conflicting and integrating way. The aesthetic symbols of eternity and spirituality from the East and West has developed through rich metaphors of colonial history, international configurations, and the future of globalisation in the process of collision. Alien 2 in the same vein of Eternity-(Buddha in Nirvana) juxtaposes two sculpture figures: an “hermaphrodite” from Greek mythology and a servant figure from the Han Dynasty. Moreover, Alien 1 is decoding and recombining the cultural elements to its extreme by recolouring those sculptures, thus the ‘aliens’ and the terrifying power therein are released intensely. By these means XU ZHEN® created a spiritually interactive installation, directing the viewers to a sensitive historic moment; the pressure brought on by those ideological symbols will situate the viewers in conditions that force them to make a choice and a statement. The other section of the exhibition includes several paintings used by XU ZHEN® as installing elements. The “Evolution” series which started in 2007 combines the cultural elements from Dunhuang Mogao Cave paintings and African masks. By painting the ancient civilisation and primitivity still remaining in modern society on the canvas at the same time, this series of paintings create the beauty of harmonious blending across time. The “Fortune” series started from the same period of the “Evolution” series; these painting series, which reconstructs the Neolithic ceremonial jades, opens a path for XU ZHEN® towards abstract expressionism.

As “Civilisation Iteration” (solo exhibition in 2017) declares, XU ZHEN® is fulfilling his visions in a progress of repeated feedback. The corporate-typed art production will finally result in a leak in the reality – the unknown condition of getting away from logic and language. The aliens hidden in the exhibition will present infinite possibilities.

问答 | Q&A

 

  1. 你认为政治正确是一个问题吗?

政治正确是失去可能性的开始。

  1. 此次展览的题目为“异形”的用意何在?因为很自然让人联想到电影《异形》,是否和这部电影有关?若是有,请说说对你而言这部电影有什么特殊的意义与价值?

汉代跪俑被涂上了一层颜色之后,似乎这个雕塑就被赋予了一种丰富的意识形态。变成了一件充满矛盾和针对性的当代艺术品。从这个角度来说这个雕塑和这种意识形态化的意识就像电影中异形一样的奇怪、未知和恐怖。

  1. 上一个个展是2017年在巴黎贝浩登的“文明迭代”,请问这两个展览之间是否有前后关系?Your last exhibition is the “Civilization Iteration” at Perrotin Paris in 2017. Is there any connection between the two exhibitions?

肯定有关系,总的来说都是徐震®关于全球化下对文明改造、变异和进化相关的主题。Yes, of course. Generally, both of them are Xu Zhen®’s themes about transforming, iterating and evolving the civilisation within the context of globalisation.

  1. 这一次的作品都是最新创作,是否可以解释一下这些新作触及的时代语境?可以分别介绍一下吗?或者重点介绍一下与展览同名的两件作品:《异形1》和《异形2》。

《异形1》这件作品是一个思维圈套,它吸引观众按照这个作品去思考和感受,这样就会导致一种似乎会逼迫观众表态和选择的境地。可能很多人会想到中国崛起/大国崛起之后的一种矛盾的境遇,一种自我的刷存在感和势必被外界扭曲妖魔化的现实。美国作为一个已经崛起的大国,类似事件是否会在新的大国的将来发生或者已经发生着。而此事件本身的所有语境,从某种角度来说可能对中国的未来也会相当适用。

我个人更看重一个简单的颜色本身能带动如此众多的因素最后形成一种新的动能,这可能也是当代艺术的最主要的特点之一。

而《异形2》表达的是对一种文明的触动,小心翼翼、充满不自信和欲望,两个巨大文明的代表在今天相遇表现出完全互相不能理解和完全被彼此所吸引。

  1. 你的作品几乎很少指涉过十分明确的现实对象,但这次一反常态的将一整个空间置换为具体的场景,这个素材对你而言有什么特殊性?是因为现实事件触发了你对这个对象的兴趣?

对我来说,这个事件不只是一个滞留在其原来语境的事件,它更是一种景观。当我看到几千年前的中国汉代跪俑的时候,马上就想到这个事件中跪着的人的姿势。两者如此一致。

这个对象对我来说有另外一层意义,即他者的社会与我有关吗?不发生在我身上的事件真的与我无关吗?每个人都能扯干净关系吗?我如何主动地改造现实?艺术是否就是一种办法,在现实逻辑之外的一种办法?或者艺术就是一种现实的漏洞,现实的可能性。

  1. “权力”,是我们日常生活中经常遇到的一个概念,我们对它既有所忌惮又渴望垂涎。你怎么理解权力?”Authority” is a common concept in our daily life. We have both fear and desire for it. How do you think of the “authority”?

权力是生态。哪里有权力哪里就有斗争,哪里有斗争哪里就产生可能性。Authority is ecology. Where there is the power there is the struggle. Where there is the struggle there is the possibility.

  1. 此展览中的“进化”系列结合了非洲面具与敦煌壁画的元素,你将此定位为“绘画装置”,可以解释一下这一界定吗?绘画史上通常将这种对非洲文化的援引指向“原始主义”,而迈克尔·莱杰在对纽约画派的诠释中,曾指出“原始主义”也是一种意识形态,人们对于“原始社会”的理解受到殖民主义、国家主义、帝国主义、种族主义和“第三世界”等现代社会机制的影响,你认同这样的说法吗?这种流动的“原始性”是否同样在你的作品中起作用?

进化系列绘画是一种像素写生绘画。绘者在画布上以每天5万-16万像素的效率推进画面。同时这类创作也是基于互联网搜索工具产生的一种文化观察、学习和判断的方法。这系列的核心是对这种方式创造的新审美的肯定。在这些前提下,已有的知识经验才有新的意义。

这系列不止是在强调非洲文化和敦煌文化之间的共通性、流动性。更重要的是作品体现出来的产生于这个时代对文化的大改造和重新定义的信心和方法。

  1. “运气(绿环)”呈现出你久未涉足的抽象画面,但来源却是华人再熟悉不过的日常物件“玉环”,在这里抽象与具象的转换关系是你想表达的吗?玉环的符号性和与之附带的意识形态在作品中是如何被再译与重构的?

这个系列是一种当代图腾。玉环的漩涡隐喻着今天人类在宇宙观理解上的加速。这里的抽象与具象的转换也契合着全球化中西方理性与东方感性混合的现实动能。玉环形象从几千年前至今被再次使用,恰如文明的密码被破解后再次重生。

  1. 你的关注点从艺术&商业—后波普—后全球化—文明进程,再到这次的“异形”,你觉得你的创作线索在逐渐触及一个什么样的问题,这些创作方向的转变是怎样一步步带你进入这个问题的?Your focus is from Art & Commerce to post Pop, to post globalisation, to civilization, and then to “Alien”. What kind of questions do you think your creative clues are referring to, how do these changes in direction of creation take you into it step by step?

从早期的反映现实到近期的创造现实,很明显我们的创作不断在表达一个理念,即“可能性”。在不同时代、困境和问题下的可能性。艺术充满未知。From initially we reflect the reality, to recently we create the reality, obviously, we are constantly expressing one idea – the possibility when facing different era, dilemma and problems. Art is full of the unknown.

  1. 你的作品创作一直在深入和推进,但与此同时徐震品牌和没顶公司的运作也一直并行不悖,在你看来,他们之间有互相关系和影响吗?

公司或这个人在这个大时代背景下,必须也只能不断地求新求变。艺术要给时代制造各种可能后自己也要有成为这个时代特点的能量。没顶公司或者徐震®品牌出现并非一种巧合,而是当代文化发展到今天必然会出现的一种方式。多元协作、快速迭代、高效管理等当代社会运行特点都在我们这里得到了良性的体现,以确保艺术就是我们公司最大的利润。

  1. 同那些关注点较为前后一致的艺术家相比,你的关切似乎一直在加速更新,这样的状态是这个时代和文化环境导致的吗?Comparing to those artists who keep focusing on the similar subjects, your concerns seem to update acceleratedly. Does time and the cultural environment lead to your current situation?

我们应该是这个时代最具代表性的艺术现象之一。公司化运营,想法丰富、高产、高效、形式多元、跨界创作等等这些都在我们这里得到了充分的体现。我认为当代艺术需要不断进化出新的方式方法来应对多元、复杂和无法定义的现实。今天精英主义和政治正确越来越盛行且越来越容易被利用,当代艺术会不断有新的任务和激情的。We should be one of the most representational art phenomenons in this era: corporate operation, rich thoughts, high output and efficiency, multiple forms, crossover creation etc.; these are all included in what we do. In my opinion, contemporary art should keep working out the new ways to deal with the diverse, complex and indefinable reality. Today the elitism and political correctness is prevailing and much easier to be made use of, so contemporary art would have more missions and passion.

  1. 你认为当下这个世界正在发生什么?你怎么理解这样的动向?What do you think is happening in this world? How do you think of this trend?

一切走向不确定性,什么似乎都可以被改变,世界在走向一个新的面貌。我们当然是要尽力去加速这种现状。Everything is moving towards uncertainty. It seems like everything can be changed, then the world is becoming a brand new one. Certainly what we should do is to accelerate that.